XI edición del Encuentro Internacional de Teatro "Otoño Azul" Argentina 2010

En la mañana de ayer, en conferencia de prensa, se brindaron detalles de esta realización que se realizará durante los días 21, 22, 23 y 24 de mayo en esta ciudad, teniendo como escenarios el Teatro Español y el Complejo Cultural Gral. San Martín.

AZUL, PCIA BUENOS AIRES.- Fue lanzado oficialmente la XI edición del Encuentro Internacional de Teatro "Otoño Azul" Argentina 2010. Cabe señalar que esta propuesta se desarrollará durante los días 21, 22, 23 y 24 de mayo, teniendo como escenarios el Teatro Español, y el complejo cultural General San Martín.

En la ocasión, el Secretario de Cultura Luis Lafosse, acompañó a los organizadores del evento, estando presentes el Prof. Edelmiro Menchaca Bernárdez, director del encuentro y Carlos Fortunato, miembro del Equipo Delta, Trabajo Teatral.

En la ocasión el responsable del área de cultura del municipio señaló que "quiero destacar el espíritu innovador de este evento. Otoño Azul fue el primer evento que tuvo la visión de vincular la cultura al desarrollo, y también vincular al turismo. La cultura como desarrollo y medio de crecimiento para el desarrollo humano de las personas. Me parece que lo más valioso que tiene este evento, además de todo lo artístico que se ofrece, es que es una propuesta donde se prioriza el "encuentro" por sobre la competencia, donde conviven la diversidad de obras, de países, ciudades de Argentina, y me parece que en algún sentido es un espejo donde mirarnos, porque hay mucha experiencia y desapego por lo que se hace. El encuentro se realiza desde un lugar de mucha humildad".

Por su parte, Edelmiro Menchaca Bernárdez, expreso su agradecimiento a los medios presentes, quienes difunden el encuentro. A su vez destacó el apoyo y acompañamiento que en esta ocasión se ha brindado desde el municipio "hoy podemos decir con gran satisfacción que nos sentimos nuevamente en casa".

A su vez reflexionó sobre esta nueva edición y su slogan "el sueño que no cesa". "En todo este tiempo transcurrido, hemos sufrido contradictorias sensaciones, ilusiones y energía arrolladora, cansancio y profundas decepciones, desaliento y estímulos alternados, nuevas ideas, expectativas, ganas de hacer y crecer, de dejarlo todo. Así llegamos a los diez años con la impresión que este sueño se tomaba el tren hacia alguna parte, ¿qué hacíamos?. Hoy sabemos que la lucha no termina, y una vez más con la esperanza renovada logramos poner en pie el encuentro, y anhelamos decir por siempre que Otoño Azul, es un sueño que no cesa".

A continuación se brindó un detalle del programa que acontecerá durante los cuatro días que dure el encuentro. Por otra parte, se recordó, que se encuentran a la venta los abonos a un valor de $80. Los mismos permiten el ingreso a todos los espectáculos del encuentro y el recital de cierre que ofrecerá Sandra Mihanovich. Cabe recordar que la fiesta comenzará el día viernes 21, con la actividad denominada "El gran carrusel y feria esfímera" que se realizará en la Plaza San Martín a partir de las 17, y posteriormente se ofrecerá en el Teatro Español una obra con entrada libre y gratuita para todo público.

Fuente: El Tiempo

El director Rody Bertol acaba de estrenar en Rosario "La Familia Argentina"

UN TEXTO INEDITO DE SU ADMIRADO ALBERTO URE

Cuando todo se derrumba alrededor

El padre se "enamora" de la hija, o de la supuesta hija. Justo en el momento en que los sueños de juventud compartidos con la madre comienzan a transformarse en pesadilla aburrida y cada uno comienza a darse cuenta del juego del otro.

Por Julio Cejas

El director Rody Bertol acaba de estrenar uno de los trabajos de mayor solidez dentro de su carrera teatral al frente del Centro Experimental Rosario Imagina que celebra sus veinte años de permanencia, otro logro que no es menos meritorio en una ciudad donde el teatro pareciera reinventarse a cada instante. Y que mejor regalo para el propio Bertol que la idea concretada de poder estrenar un texto inédito de su maestro Alberto Ure, una de las figuras de renombre del teatro argentino, un creativo siempre polémico, implacable a la hora de defender la ética de una profesión bastante bastardeada.

Llega de esta manera a Rosario, "La familia argentina", una obra que pone de manifiesto la mirada corrosiva del autor no sólo acerca del tema al que alude el título, sino al contexto en el que se derrumba una familia que pertenece a un sector bastante diferenciado de este país.

Hay mucho del universo personal del autor, una disección mordaz de una clase media de profesionales que intentó acomodarse frente a los vaivenes de un país que siempre la tuvo al borde del colapso tanto económico como íntimo.

Una arquitecta divorciada con una hija y un psicoanalista pusieron en escena durante 15 años el simulacro de una familia "bien constituida" hasta que la escenografía comienza a descascararse y el escenario deviene en escandaloso desenlace. El padre se "enamora" de la hija, o de la supuesta hija, justo en el momento en que los sueños de juventud compartidos con la madre comienzan a transformarse en pesadilla aburrida y cada uno comienza a darse cuenta del juego del otro.

Un comienzo digno de un pasaje operístico, en un asordinado diálogo entre dos seres que alguna vez fueron una pareja y constituyeron un hogar de clase media regidos por un supuesto orden que se viene a derrumbar en medio de una discusión que trata de imponerse por encima de la música que domina el espacio.

El detonante de la situación aguarda su entrada para completar la escena de un descenso a los infiernos de un acuerdo familiar que se rompe para instalar un nuevo acuerdo, otra familia, nacida de una nueva unión, "incestuosa" entre padre e hija.

Hay una constante en el texto de Ure que es el tema del discurso que sostiene a cada uno de los personajes, la palabra como entramado de un juego de poderes que se ponen a prueba a partir del desgaste de una relación fundada precisamente en la credibilidad de lo que esas palabras iban construyendo.

Otra vez el controvertido tema de la paternidad de la que Ure diera cuenta en una de sus más recordadas puestas, cuando versionó en 1987, aquella impactante versión de "El Padre", de August Strindberg. Pero lo siniestro aquí adquiere pasos de una comedia hilarante y eso es lo que potencia el patetismo de estos seres con los cuales el espectador se identifica por la familiaridad de las situaciones y el desenmascaramiento de roles que ya no cumplen su cometido original.

El manejo de la ironía y por momentos la franca agresión hacia el otro, se apoderan de la escena tiñéndola de una violencia propia de una tensión contenida que es el típico dique de contención que cada familia administra a su manera para perpetuarse sin destruirse.

Aquí no ocurre lo que sucede en otros sectores sociales que no dependen de esos diques "culturales" y llevan hasta sus últimas consecuencias las tragedias a las que los noticieros nos tienen acostumbrados.

Aquí la tragedia está velada por el lenguaje, por algo Laura le reprocha a Carlos que es el inventor de teorías que siempre acuden para sostener su accionar: ¡"Basta de manejar la vida de los demás con tus palabras"!. Y esto se transforma en una fuerte acusación a cierta intelectualidad que utiliza el poder del discurso para manipular las relaciones personales y las de su entorno.

Y entonces aparecerá Gabriela, la hija, que reclama un espacio de libertad y que fundamenta su decisión frente a una madre competitiva y un padre que la seduce y con la que se propondrá más que establecer una nueva familia, huir de un entorno agobiante.

Dentro del marco de la acostumbrada propuesta escénica de Bertol , donde el dispositivo lumínico, el manejo del espacio y la ambientación musical se afirman como sus herramientas probadamente eficaces para contar cualquier historia, en este nuevo trabajo, el equipo actoral es la clave para el disfrute del espectador.

Allí la experiencia del director y la colaboración decisiva de la actriz y directora Liliana Gioia en la dirección de actores, sostienen la tarea titánica de tres auténticos gladiadores de la escena como

María del Carmen Sojo, Cristián Marchesi y Julia Tarditti. Marchesi vuelve a ratificar después de tantos años de ausencia en su rol de actor, la capacidad histriónica y la administración de una energía que por momentos se apodera del espacio y lo transforma, a partir de un atormentado personaje.

Sojo construye en la otra arista de este auténtico ring familiar, una mujer que lucha por contenerse y alcanza picos de intenso dramatismo que corren en dos direcciones que adoptan diferentes registros cuando se enfrenta con Carlos o con Gabriela.

Y finalmente el feliz hallazgo de una nueva y joven actriz como Julia Tarditti, dueña de una intensidad escénica que se reparte entre la iracundia, la sensualidad y la ternura de una hija que pretende que la consideren ya como una mujer.

"La Familia argentina", puede verse todos los sábados a las 22 en el Teatro de la Manzana de San Juan 1950, y conviene sacar las entradas por adelantado porque la capacidad de la sala es mínima, debido a los requerimientos de la puesta.

Fuente: Página 12

Marcela Rodríguez dirige e interpreta "Evolucionarte flamenco".

CON VARIAS TECNICAS SE PRESENTA EN EL BORGES, LOS DOMINGOS A LAS 20.

Flamenco en etapas

Centro Cultural Borges (Viamonte y San Martín, domingos a las 20)

Laura Falcoff

Un espectáculo que recorre cuatro etapas en la historia del flamenco acaba de estrenarse en el Centro Borges (Viamonte y San Martín, domingos a las 20). Su directora, creadora y principal intérprete es Marcela Rodríguez, bailarina formada desde la infancia en muchas y muy variadas técnicas: ballet, danza contemporánea, jazz, danzas regionales españolas y flamenco. El elenco de Evolucionarte flamenco se completa con Adrián Vergés y un grupo de diez bailarines y músicos en vivo. La estupenda Laura Roatta (Tanguera, Aniceto) fue invitada a coreografiar la última parte de la obra, dúo romántico que interpretan Marcela Rodríguez y Adrián Vergés.

¿Cómo es estar alimentada por tantas técnicas como las que tuviste la posibilidad de estudiar?

No lo sé. En realidad me apasiona bailar. Nunca, desde pequeña, tuvieron que "mandarme" a estudiar; siempre fui yo la que lo pedí. Me gusta tanto tomar una clase de ballet clásico como bailar una jota de Castilla. El flamenco me estremece cuando lo bailo, pero también cuando lo veo en alguien que me está dando algo que no consiste solamente en la técnica.

Rodríguez comenzó con el flamenco "a los 18, y ahora tengo 38. Viajé muchas veces becada a España y la última vez estuve con la familia de los Farruco: el Farruquito, la Faraona, la Farruca. Fue por las conversaciones que tuve con ellos que nació la idea de este espectáculo".

¿De qué modo?

Me hablaron del flamenco antiguo, no profesional; pensé en crear un espectáculo donde pudiera tomar este aspecto y sumarle mi experiencia. De ahí nacieron las cuatro partes de la obra. La primera evoca el período no profesional, cuando se bailaba en las cuevas y en los patios. La segunda coincide con la difusión del arte flamenco, el período del café cantante y las primeras academias de baile. La tercera toma cuando se incorporan ritmos de países latinoamericanos, especialmente Cuba. Y la última corresponde a la fusión actual, en este caso con el jazz y la danza contemporánea.

Fuente: Clarín

Cuando el video sube al escenario

DIÁLOGO. "En la obra que escribí, el video es un personaje más", dice Casado Rubio Foto: Alejandra Bratín

Por Natalia Gelós
Para LA NACION - Buenos Aires, 2010

Una mujer sola reza y rompe en llanto junto al ataúd de su amada. Y mientras el cuerpo de su compañera se vuelve imagen y pasado, Rosa, la que pena, se convierte en una persona invisible para la familia de su pareja, para la ley y para la sociedad. El diálogo entre el amor y la muerte es el centro de Es inevitable , ópera prima del madrileño Diego Casado Rubio, que combina el aire del teatro clásico español con los recursos más modernos, lo que en este caso da por resultado un teatro cinematográfico que incluye tráiler, video y una exquisita interacción entre el escenario y la pantalla.

Con las excelentes actuaciones de Estela Garelli, Patrizia Alonso y Lorena Viterbo, el año pasado la obra se mantuvo durante nueve meses en el Teatro La Carbonera, en San Telmo. Este año, las críticas favorables y el visto bueno del público vuelven a acompañarla, todo un fenómeno dentro del circuito independiente. Y es que, entre otros atractivos, Es inevitable brinda la oportunidad de ver cómo el teatro sale airoso y transformado de su encuentro con el cine.

Casado Rubio llegó al país en 2005. Desde entonces, escribió una novela, el guión de un largometraje que obtuvo una beca de la Fundación Carolina y filmó Al borde , mediometraje que, según dice, "tiene mucho de Mujeres al borde de un ataque de nervios , pero a la argentina". Formado en el lenguaje cinematográfico, el madrileño conoció a Mariela Asensio cuando ella dirigía Hotel Melancólico . Allí empezó a interesarse en el teatro e inició el camino que lo llevaría a crear Es inevitable .

El director describe el proceso creativo de la obra como un devenir natural, en el que el bagaje audiovisual fluyó de manera espontánea. "Cuando me senté a escribir Es inevitable , necesitaba hablar de la muerte, y así fue como me vino la imagen de una mujer llorando. Quería que la obra empezara con una mujer y un cajón. Desde la escritura, empecé a incluir video, porque para mí la única manera de volver reales esas imágenes en el teatro era a través de lo cinematográfico. Quería que un personaje saliera de un video en tamaño real y que pareciera una persona. Me gustaba la idea de lograr esa tridimensionalidad que tiene la obra, entre la realidad y la fantasía, en la que la fantasía no es sólo lo puramente teatral. Podría haber usado el recurso de una mujer de carne y hueso, con una luz que simulara un fantasma, pero no. Ese efecto lo consigo a través de la imagen, que es lo único que queda después de la muerte. Así logro esa metáfora."

Incorporar nuevas tecnologías es un riesgo y potenciar las posibilidades poéticas del texto es el desafío para aquel que intente fusionar ambos mundos. Casado Rubio tiene claro ese riesgo, pero no le preocupa. "Cuando está bien integrada con la historia, la herramienta tecnológica conecta y fascina. En teatro podemos recrear un tren con sonido pero eso es algo que ya hemos visto y vivido. Utilizar el video es como el cine de 3D; es una nueva herramienta que puede gustar o no pero que ciertamente conduce a nuevos mundos."

-¿Todo depende del uso que se le dé?

-Sí, el gran tema es ése. Y eso depende de si el director es autor o no, porque para esto es fundamental saber contar una historia. Lo importante es que la herramienta no sea un capricho o una mera escenografía. Porque el riesgo es que lo audiovisual pase a ser un elemento más dentro de lo técnico, y me parece que ésa no es la labor que debe tener el video.

-¿Es inevitable sólo es posible gracias al video?

-Bueno, sin videos no funcionaría, porque el video es un personaje más dentro de la obra. Aunque lo esencial sigue siendo el papel, la historia y su verdad.

Esa historia habla, por un lado, de la indefensión humana ante ciertas cuestiones universales y, por otro lado, de un tema actual y polémico: los derechos de las parejas homosexuales. En ese sentido, Es inevitable es reivindicativa, aunque no recurre al subrayado innecesario.

Al mismo tiempo, Casado Rubio también está a cargo de la realización audiovisual de El anatomista , la obra dirigida por José Maria Muscari, basada en la novela de Federico Andahazi. A Muscari, este artista español lo conoció en 2008, por intermedio de Mariela Asensio. El encuentro se produjo en la obra Crudo , dirigida por ella, que se basaba en la vida del creador de Catch . A partir de entonces, trabajaron juntos en cinco proyectos.

Con El anatomista , Casado Rubio fusiona en su video el erotismo y la religión para sintonizarlas con la puesta general. En ese caso, la experiencia es diferente a la de Es inevitable . "En El anatomista , la propuesta de Muscari tiene su sello, que ya es casi una marca registrada -explica-. Él decide y lo que hace es lo que él quiere ver. Al principio me agobié, porque no seguía la idea. El video se limita a acompañar a un gran elenco. La música de Gustavo Santaolalla y el vestuario de Renata Schussheim tampoco son la obra en sí. El video está presente e introduce al espectador en la historia."

Mientras prepara Se alquila , su próximo proyecto teatral, Casado Rubio rescata la integración de lo cinematográfico como una manera de abrir el juego y de convocar nuevos espectadores. "El video -dice- le aporta un grado de modernidad importante a lo teatral y conecta al espectador con el entrenamiento visual que la dramaturgia ya posee. No basta conectar sólo con los amigos o aquellos que forman parte del mundo del teatro, el teatro independiente tiene que ser convocante. El año pasado, Es inevitable estuvo nueve meses en cartel y eso que nadie me conocía como director. De alguna manera, lo audiovisual es un atractivo que vale la pena desarrollar."

Fuente: La Nación

Alquimia abre la temporada para adultos en Córdoba con la obra “Harina”

Carolina Tejeda, sola durante toda la obra, se pone en la piel de una panadera.

Un monólogo de lujo para espectadores sensibles.

Beatriz Molinari

La actriz Carolina Tejeda trae a Córdoba por segunda vez (estuvo en el último Festival Mercosur) el unipersonal Harina. El monólogo que escribió junto al director Román Podolsky pone en escena a Rosalía, panadera de un pueblo fantasma de algún lugar de la geografía argentina. A la actriz la rondaba un tema: el cierre masivo de los ferrocarriles en la década de 1990.

Rosalía amasa y cuenta, narra en medio de la noche de insomnio, en soledad. Carolina Tejeda logra un tono neutro que, no obstante, remite a varias tonadas provincianas. “Nací en Capital Federal pero tengo familia en distintos lugares del país. No queríamos hacer una tonada en particular. Esto me permitió una mirada sobre el resto del país desde este ombligo medio raro (Buenos Aires) que tiene sus propias reglas, incluso, diferentes a las del conurbano. Quise sacarme lo porteño que tengo y encontrar maneras de hablar propias de la gente que no es de una urbe. Busqué esos tiempos y modismos. En algún lugar los tenía yo misma, por mi viejo que nació en Formosa pero vivió en Salta y en Alta Gracia, por mis tíos. Fue también una forma de aludir al cierre masivo, federal, de los ferrocarriles”, explica Carolina.

Sencilla e intensa

Harina transcurre durante una noche de insomnio. Rosalía está desvelada y amasa. “El cierre fue el disparador. Me interesó mostrar la situación de las personas que ven cómo cambia su vida por las decisiones políticas. Y la pérdida del oficio, que no es lo mismo que ‘trabajar de’. Rosalía sigue ejerciendo su oficio de panadera”, comenta la actriz que llevó la idea al director. Román Podolsky dijo que ella le llevaba la punta del iceberg y que juntos descubrirían el resto. El resultado es una obra sencilla e intensa que ha recibido cantidad de premios desde su estreno.

Dice la actriz que quería trabajar sola en escena. “Pero necesitaba algo que me atravesara. Fue una búsqueda de años. Llegué al tema ferroviario. Se cerraban ramales en todo el país, ‘privaticemos’, decían desde el ombligo de Buenos Aires. Revisando mi historia, descubrí que mi abuelo paterno fue ferroviario, que le contaba historias de esos tiempos a mi padre. Con todo eso, la obra se fue amasando”.

En un pasaje de la obra, Rosalía traza un recorrido con nombres de lugares. “Son pueblos de diferentes puntos del país donde cerraron ramales. Algunos son inventados”, explica. La ayudó mucho el libro de Juan Carlos Cena, El guardapalabras, así como las charlas con el autor, ex ferroviario, comprometido en la denuncia de lo que llama ‘el ferrocidio’.

ALQUIMIA ESTUDIO DE ARTES ESCÉNICAS
Av Padre Claret 5033 (a pasos de las vías)
Capital - Córdoba - Argentina
Teléfonos: 0351-4818378
Entrada: $ 50,00 y $ 40,00 - Domingo 16/05/2010 - 21:00 hs

Fuente: La Voz